Rivelino, ¿arte o relaciones públicas?

Como sus Raíces que trepan por los muros y estructuras de edificios emblemáticos del Centro Histórico de la ciudad de México, Rivelino ha sabido abrirse camino entre las instituciones de la cultura en México; secretarías de Estado, organismos desconcentrados, museos y centros culturales han apoyado sus proyectos de una manera inusitada:

En 2011, Relaciones Exteriores apoyó y pagó parte del montaje de Nuestros silencios en Europa (el propio Rivelino dice desconocer cuánto fue); también el año pasado la Secretaría de Economía inauguró su galería en la Condesa con una exposición suya. Y este 2012, los logotipos del gobierno de la ciudad, Conaculta, INAH, INBA, Secretaría de Cultura, Canal 22, UNAM, Centro Cultural Universitario Tlatelolco, Sistema de Transporte Colectivo Metro, Secretaría de Desarrollo Urbano y Vivienda, la Autoridad y el Fideicomiso del Centro Histórico, Museo Nacional de Arte y Monumento a la Revolución, aparecen en la publicidad de Raíces (publicidad puesta en el Metro con autorización de la dirección del GDF) a un lado de los logos de los patrocinadores privados.

Las instituciones argumentan que no destinaron un peso a Raíces. Rivelino dice que el proyecto tuvo un costo de 8 millones de pesos pagados por empresas privadas, coleccionistas y su estudio. Lo que sí han hecho las instituciones es promover, difundir, convocar a conferencias y acompañarlo en la inauguración (lo hizo Marcelo Ebrard), y de esa forma avalar su obra.

Nacido en San José de Gracia, Jalisco, José Rivelino Moreno Valle es autodidacta; en su curriculum aparece que en el DF estudió cerámica en el INBA. Sus piezas han estado en espacios públicos de varios países, pero nunca ha expuesto en un museo mexicano o del extranjero.

La calidad de Raíces es cuestionada por críticos y especialistas: “es pobre”, dice Ana Elena Mallet, y Avelina Lésper asegura que predomina “la mala factura”.

En Twitter se lee a Constanza Bolaños, que la describe como “la mejor forma de joder una plaza pública”. La red social es también espacio para opiniones favorables, como las del INBA: “Raíces de Rivelino remite a la concepción de la multiplicidad, la hetereogeneidad y lo diverso de la ciudad”.

En la calle hay opiniones divididas: al ver las raíces puestas en Corpus Christie, Ana dijo: “En el terreno de lo horrible, están mejor las de Acoxpa” (se refiere a las polémicas figuras de Enrique Walbey que fueron retiradas). En cambio, Nieves González, en Bellas Artes, dijo: “Me parece interesante nuestra raíz, volverla a profundizar, sacar de todo lo que antiguamente teníamos”.

Como un proyecto que lo único que hará será contaminar el gusto de la gente en la ciudad, describe a Raíces la curadora de arte Ana Elena Mallet.

Esta es una serie de piezas blancas en poliuretano y fibra de vidrio, en espacios públicos de museos y centros culturales. Parten del piso y ascienden por las estructuras en una metáfora que resume el sitio web de Rivelino así: “México es como una gran planta que nunca ha detenido su camino”.

Mallet cuestiona: “A partir de ver su obra tan apoyada por el gobierno Federal y el del DF parece que estamos ante otro caso de un artista apoyado o por mecenas empresarios o mecenas políticos. Tenemos muchísimos mejores artistas para representar a México antes que Rivelino. Ese despliegue de dinero, promoción y apoyo me revela un discurso escondido. Es muy peligroso para el público, la gente en México va poco a los museos y, de pronto se traga lo que el gobierno le da, ve estas propuestas y cree que eso es arte y que debe representar a México adentro y afuera”.

¿Nuestras raíces?

Como en la Estela de Luz, hay un discurso efectista, señala Mallet. “¿Qué tiene que ver con nuestras raíces? Esos discursos oficialistas y efectistas, con un nacionalismo trasnochado, que en lugar de la estética y la calidad plásticas apelan al sentimentalismo, son lo que un artista no debe hacer”.

Avelina Lésper, crítica de arte, comentó: “Dice Raushenberg que el material no puede equivocarse, el que se equivoca es el artista. Rivelino se equivocó con el material, la obra está mal terminada y mal realizada porque los materiales son un error, son burdos; no logran plasmar la simbología que pretende”.

Para Lésper, está más presente la mala factura, por lo tanto no puede llamarse una escultura: “No logra habitar el espacio ni hacer un parámetro de la geografía urbana, es una invasión del espacio, y de intervenciones e invasiones estamos los capitalinos hasta acá con ambulantaje, publicidad, obras de construcción de mil cosas”.

Otro cuestionamiento que hace Mallet es la pretensión de hacer un proyecto por tantos espacios de la ciudad “ sin trascendencia”.

“Hay un círculo de artistas que aparecen en las páginas de sociales, y quien no está enterado de los mercados internacionales, de los circuitos de los museos, concluye que deben ser importantes. Hay un circuito de señoras de las Lomas, de empresarios que están entre unos y otros apoyándose, pero, ¿cuál es la construcción de un artista más allá de las páginas de sociales?

Sergio Raúl Arroyo, director del Centro Cultural Universitario Tlatelolco, uno de los espacios donde están las piezas, explicó: “Fue una propuesta colectiva que se hizo a varios centros, así lo entendimos. Era utilizar una pieza que tenía una conexión con varios referentes históricos de la ciudad. Recibí la propuesta primero por parte de la Autoridad del Centro Histórico, después la propia Universidad se involucró, pero no nos implicó ninguna inversión. Tendría que discutirse y verse su relevancia. Tiene un perfil también polémico por lo que implica; no es una pieza en lo que a arte conceptual se refiere que presente alguna novedad, pero tiene una relación con el espacio público que a mí sí me parece interesante”.

Oscar Román, en cuya galería exhibió hace unos años Rivelino, dijo sobre él: “Ha ido depurando y superando su parte creativa. Eso es muy válido en todos los autores. A los que cuestionan sería importante decirles que se está atreviendo a hacer cosas. Ahí radica mucho el valor y el talento de lo que él esta haciendo. Raíces podrá gustarle a cierto público, y no a otros. Pero él tiene esta parte de arriesgarse y hacer que el público se cuestione. No viene de un nombre famoso o una familia pudiente, es un artista que viene del pueblo. Se ha relacionado con las gentes correctas para poder hacer estos proyectos. Es muy fácil criticar en México, y cuando la gente empieza a tener, siempre tratamos de minimizar. No ha expuesto en un gran museo, pero ¿cuántos han tenido oportunidad de estar en la primera página de los diarios?”.

Defiende su trabajo

Desde Davos, Suiza, donde se encontraba para dar una conferencia sobre arte y patrocinios, Rivelino defendió su proyecto como una iniciativa que involucra al sector privado porque es el único que podría pagar algo así.

Aseguró que las instituciones oficiales no financiaron las obras (sólo en parte, en 2011, la SRE destinó recursos al montaje de algunas muestras en Europa) y argumentó que el mérito del proyecto es que el público no tiene que pagar por verlo. Sobre si su trabajo es nacionalista, comentó: “No, tiene un carácter de relación con hechos históricos, políticos y sociales que me dejaron alguna huella”.

“Ha ido depurando y superando su parte creativa. Eso es muy válido en todos los autores. A los que cuestionan sería importante decirles que se está atreviendo a hacer cosas”
Oscar Román, galero.

Fuente: El informador.

Tipografía en iPad con Typography Insight

Con un costo de $24 pesos (o $USD 1.99), Typgraphy Insight se ha convertido en una de las aplicaciones favoritas de aquellos que gustan de la tipografía y quieren aprender todo de ella. Es una aplicación perfecta para introducirnos en el aprendizaje de la tipografía, experimentando e inspeccionando los detalles y formas de las fuentes y conceptos básicos tales  como remates, ligaduras, astas, filetes etc.

 

Con Typography Insight podemos comparar dos fuentes sobreponiéndolas una sobre la otra, para  aprender sus diferencias y detalles específicos de cada una. Aprenderás la terminología y conceptos básicos así como los detalles del valor del tamaño, del “leading” y tracking.

Lo interesante de esta aplicación es, además de su valor educativo y formativo, el diseño y la interactividad que aprovechan totalmente las características táctiles e interactivas del iPad, por lo que su uso se torna amigable y entretenido.

 

 

 

 

 

Fotos: http://typeinsight.org/#
Video: Youtube

Back to the future

El mundo de la fotografía resulta apasionante para muchos, una foto es el más fidedigno testigo de un acontecimiento irrepetible o un hecho histórico que define una era, el retrato en la fotografía es una de sus principales ramas de expresión y es una muestra tangible del paso del tiempo, con este motivo la fotógrafa Irwina Wering monta un proyecto sumamente ambicioso: Mostrar el paso del tiempo de un retrato como centro de interés, mas allá de su objetivo perdurable, es un “refresh” mágico, invitándolos a volver a mirarse con los ojos de su infancia. Esta grandiosa muestra compuesta por docenas de retratos se titula “Back to the future” y se conforma de imágenes de distintos países como Berlín, Buenos Aires, Uruguay, Londres y Francia.

Si deseas conocer mas a fondo el trabajo de Irwina, te invitamos a visitar su Blog, donde encontraras una excelente muestra de su trabajo en línea.

http://irinawerning.com

La ciencia del arte

No sólo la intuición artística y la controvertida técnica de arrojar pintura sobre lienzos tendidos en el piso dieron a los cuadros de Jackson Pollock su sello característico: la física de sistemas caóticos y los fractales (estructuras que se replican a diferentes escalas) también explican aspectos que dan originalidad a sus obras.

Así lo demostró el físico y psicólogo Richard P. Taylor, quien en 2006 difundió un estudio con el cual ayudó a autentificar pinturas atribuidas al maestro del expresionismo abstracto, que al final resultaron falsas. El científico descubrió que bajo los caóticos trazos de Pollock se oculta una regularidad presente también en la geometría de los fractales.

Como Taylor, muchos otros investigadores se han acercado al arte con una nueva mirada analítica que, más allá de la estética, aporta claves valiosas para entender el origen, contexto e historia de grandes obras maestras. Aquí algunos ejemplos tomados del libro Un científico en el museo de arte moderno, de Luis Javier Plata, que a partir de este mes estará disponible en México (Siglo veintiuno).

FRACTALES Y EXPRESIONISMO


El físico Richard Taylor es autor del trabajo Chaos, fractals, nature, A new look at Jackson Pollock, publicado como libro en 2006. En esta obra describe una herramienta matemática que desarrolló para ayudar a autentificar varios cuadros del pintor expresionista abstracto.

Taylor pensó que las caóticas pinturas del artista estadunidense, sobre todo las que van del periodo de producción de 1943 a 1953, desplegaban patrones como los que se observan en los fractales, con su geometría auto-replicante.

El físico sobrepuso a cinco obras maestras del artista (entre ellas Postes azules No 11, pintada en 1952) una serie de cuadrículas generadas por computadora para efectuar el análisis. Así confirmó su sospecha: los trazos efectivamente reproducen la geometría fractal.

CUBISMO Y RELATIVIDAD

Así como Albert Einstein revolucionó la ciencia al introducir el concepto de Relatividad, Pablo Picasso hizo lo propio en el campo estético al explorar la geometría del espacio-tiempo con sus obras cubistas. Al menos eso considera el físico estadunidense Arthur I. Miller.

Miller, autor del libro Einstein y Picasso: el espacio, el tiempo y los estragos de la belleza, plantea que Las señoritas de Avignon, que el artista español pintó en 1907, es una suerte de “experimento mental” (escenario hipotético) similar a los que propuso el físico alemán para explicar la Teoría Especial de la Relatividad, publicada en 1905.

En la geometrización-deformación de las 5 mujeres que aparecen en el cuadro, Miller ve la representación de la cuarta dimensión a través de la simultaneidad espacial: en vez de una sola, coexisten múltiples perspectivas en ese plano.

ATARDECER Y CENIZAS VOLCÁNICAS

Los físicos Donald W. Olson y Russell L. Doescher, de la Universidad de Texas, hurgaron la causa de ese atardecer que tanto impactó al pintor expresionista Edvard Munch y que plasmó en una triada de cuadros: El grito, Desesperación y Ansiedad, realizados entre 1893 y 1910.

Antes se creía que en la época en que pintó El grito los atardeceres rojo intenso eran comunes en el norte de Europa (la imagen que inspiró a Munch la presenció en Oslo). Pero los cientificos determinaron que la coloración que retrata era efecto de la contaminación atmosférica por las cenizas del volcán Krakatoa.

El volcán -localizado en Indonesia- hizo erupción y culminó con grandes explosiones en 1883. Fueron tan violentas que provocaron la muerte de unas 40 mil personas y podían escucharse a más de 4 mil kilómetros de distancia. Desde ahí las cenizas se esparcieron por el mundo.

BAJO UN CIELO TURBULENTO

Investigadores del Centro de Física Aplicada y Tecnología Avanzada de la UNAM descubrieron que el efecto visual de “movimiento” que se percibe en La noche estrellada, cuadro pintado en 1889 por Vincent Van Gogh, obedece a que sus patrones de luminosidad corresponden a una escala matemática que describe los flujos turbulentos.

Los científicos liderados por José Luis Aragón analizaron la distribución estadística de luminancia (cantidad de luz que refleja una superficie en determinada dirección) apoyados en una computadora y una imagen digitalizada de la obra, obtenida del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Ellos analizaron las variaciones en los patrones de luminosidad del cuadro pixel por pixel. Los resultados coincidieron con la llamada escala de Kolmogórov, una herramienta matemática introducida en 1941 por ese académico ruso donde describe flujos turbulentos a pequeña escala, que son similares a los que produce un jet o un ventilador al agitar las moléculas del aire.

La descripción de esos fenómenos no resulta nada sencilla; pero con dicha herramienta matemática Kolmogórov logró relacionar las fluctuaciones de la velocidad de una corriente con la intensidad a la cual es disipada la energía por medio de la fricción. El genio holandés plasmó todo eso a través de una visión meramente intuitiva.

ARTE TRANSGÉNICO EN SERES-OBRAS

Así como los científicos introducen genes de una especie a otra para producir mejores cultivos o medicinas recombinantes, algunos artistas están usando la ingeniería genética para enriquecer su discurso estético.

Ejemplo de ello es el arte transgénico del brasileño Eduard Kac, quien con apoyo de científicos del Instituto de Investigación Agronómica en Francia desarrolló en 2000 el primer ser vivo-obra: el conejo fluorescente Alba.

Al conejo se le introdujo la Proteína Verde Fluorescente (GFP, presente en la medusa Aequorea Victoria e inofensiva para los mamíferos). Esta emite una luz verde brillante cuando es expuesta a la luz azul o ultravioleta. Después de esto, el artista ha producido un plantimal: una petunia a la que introdujeron algunos genes de él.

Guillermo Cárdenas Guzmán | El Universal

Primeros tuits censurados

Se trata del usario @juje80 que al publicar material sobre el grupo musical Interpol le han retirado un tuit:

Hoy a la mañana le llegó un mensaje similar, avisando que el tweet fue borrado teniendo en cuenta el Digital Millenium Copyright Act de 1998, a un usuario argentino de la red.

El usuario @juje80 había compartido un link al site “New Album Releases” en el que se ofrecía la descarga del disco de Interpol en este tweet (que ahora está borrado): “Interpol – Interpol (2010) http://j.mp/boQ28K a alguien le interesa a aesta altura? :S”

Con la baja del tweet le llegó un largo mail de Twitter en el que explicaban los motivos por los que habían borrado el mensaje.

La Nación

El hacker más famoso del mundo deja Facebook

Por vulnerar las medidas de seguridad de la consola PlayStation 3 de Sony y del sistema iOS de Apple, por enfrentar la maquinaria de abogados de Sony al publicar en línea el código para desbloquear la consola, y por poner de su lado a miles de usuarios, a hackers y ‘hacktivistas’ –incluido Anonymous–, GeoHot llegó a las oficinas de Facebook para trabajar con la compañía en junio del año pasado.

Sin embargo, pese a que la presencia de GeoHot en las filas de Facebook llegara a representar una ganancia para la compañía, pues Zuckerberg obtuvo una mente brillante y con profundos conocimientos en desarrollo y seguridad en su equipo, GeoHot decidió dejar la red social para dedicarse a lo que más le gusta hacer: hackear.

Según informó Business Insider, George Hotz, más conocido como GeoHot, decidió dejar la red social y estuvo participando en el Backplane Hackathon 2012, la competencia anual de hackers que busca hacer un reconocimiento al participante que cree el mejor sitio web o la mejor aplicación móvil durante el tiempo de la competencia.

GeoHot trabajó en una aplicación para Facebook que le permite a los usuarios de la red social saber la ubicación exacta de sus amigos a través de un mapa y aunque no obtuvo el primero lugar en la competencia, Hotz aseguró que apreció el espacio de trabajo y la pizza gratis.

George ‘Geohot’ Hotz es uno de los hackers más reconocidos y exitosos del mundo. Su exitoso reconocimiento se debe a la forma en que ha podido superar retos informáticos que nadie más logra vencer, como vulnerar las medidas de seguridad del iPhone para desbloquearlo o quebrantar las medidas de control del Sony PlayStation 3 (PS3), reto que le salió bastante caro pues en un momento tuvo a la multinacional japonesa y su ejército de abogados respirándole en la nuca, por lo que tuvo que optar por conciliar y mantener un bajo perfil.

Foto: Google

Croma fest México 2012

Si eres fan de la animación,  los efectos visuales (VFX) y los videojuegos, este evento te interesa.

Cromafest, es un festival en el que interviene todo lo que menciones anteriormente, básicamente diseño en 3d con animación. Este evento nace con la finalidad de impulsar la industria creativa local, conjuntándola con la internacional.

Es un evento ideal para dar a conocer tu trabajo. Se basa en el intercambio de conocimientos y técnicas, generando un contacto entre mercados, formación, trabajo en red y mutuo colaboración.

El festival se llevara a cabo del 13 al 19 de febrero de 2012 en el corredor Roma-Condesa, en la Ciudad de México.

Es un evento fascinante, que no te puedes perder, y no hay pretexto, ya que la mayoría de los talleres y conferencias no tienen ningún costo, sin embargó si tienen un cupo limitado, por lo que es muy importante registrarse a tiempo.

Como lo mencione, el evento cuenta con profesionales de talla internacional como son Chris Norden y Sophie Jenkis, algunos de ellos brindaran talleres muy interesantes dentro del marco de las artes digitales.

Cromafest preocupado por impulsar el talento mexicano, en su sección “Connections” te brinda la oportunidad de presentar tu trabajo a inversionistas nacionales y extranjeros.

Para que te des una idea… Double Negative, la empresa de efectos visuales más grande de Europa y responsables de la animación en películas como, Captain América: First Avenger, las dos últimas películas de Harry Potter y la ganadora del Oscar por Efectos Visuales Inception; se presentara en el evento. Y no solo brindara conferencia sobre efectos visuales en el cine, también recibirán solicitudes de trabajo, y revisarán personalmente portafolios para dar retroalimentación y más información para poder aspirar a trabajar con ellos.

Una muy buena oportunidad, ¿No lo creen?. Y Así como Double Negative, habrá muchas más empresas interesadas y expertas en este ramo del diseño.

Alguno de los talleres y actividades a realizarse serán:

  • Creación de personajes.
  • Modelado y animación digital en Blender.
  • Producción ejecutiva de largometrajes y series de animación.
  • Técnicas mixtas de animación en colectivo / creación de un corto animado
  • Sesión de animación en tiempo real.
  • Proyecciones en fachadas Colonia Condesa.

Como puedes ver, es un gran evento lleno de conocimientos y expertos, que difícilmente se puede dejar pasar. Así que no lo pienses mucho y agenda la fecha.

Registro al evento: http://www.cromafest.com/registro.php?ip=148
Foto: Internet

Nuevo Diseño en México – Crear hogar

El Palacio de Hierro, comprometido con la producción local y con impulsar a los nuevos valores del diseño, presentó “Nuevo diseño en México-Crea Hogar”, un proyecto sin precedentes en el país, que reúne los más innovadores productos de diseño con sello mexicano.

Hasta el 7 de marzo, el trabajo de más de 29 diseñadores se exhibirá en 9 Palacios (DF, Monterrey, Guadalajara y Puebla), mostrando objetos decorativos, piezas utilitarias y muebles de propuesta, que ahora se ponen al alcance de todos los clientesTotalmente Palacio. Con exposición se busca mostrar cómo los productores de diseño que trabajan actualmente en México. Imágenes y objetos cargados de humor y de referencias cotidianas que buscan hacer la vida del usuario más llevadera, sino de manera funcional, sí de manera simbólica; al mismo tiempo, recurren a la mano de obra local y la más de las veces a materiales tradicionales que son accesibles en costo y fáciles de conseguir en las distintas regiones del país.

Entre los diseñadores participantes se encuentran Alexandra Bravo, Andrés Amaya, Ariel Rojo, Brenda León, Mauricio Lara, Joel Escalona, Liliana Ovalle, Lorena Zertuche, Mauricio Valdés, y Ricardo Casas.Seleccionados con el apoyo de Ana Elena Mallet y Cecilia León de la Barra, expertas en arte y curadoras de la exhibición, los diseñadores que componen esta muestra -algunos unen emociones y trasladan su pasión a piezas únicas que terminadas a mano, dan como resultado un objeto de alto diseño que hoy, cuando los procesos históricos nos han rebasado, les permiten ponerse al corriente y tratar de competir en un mundo que ha cambiado.

“Estamos ante una nueva generación de diseñadores en el país, que han encontrado nuevos nichos de oportunidad y están enfrentándose a un renacimiento de los valores tradicionales del diseño, a una revolución de ideales y valores procurando volver la mirada a los procesos y materiales locales, a lo hecho a mano y al comercio justo, de ahí que El Palacio de Hierro, continúe con el compromiso social de apoyar el diseño mexicano”, comentó Rodrigo Flores, director de Moda-Hogar de El Palacio de Hierro.

Foto: a! Diseño

El “MoMA” venderá la obra de 62 diseñadores mexicanos

DAN A CONOCER A LOS DISEÑADORES MEXICANOS QUE SE PRESENTARÁN EN LAS TIENDAS DEL MUSEO DE ARTE MODERNO DE NUEVA YORK

El programa del MoMA Destination: Mexico permitirá que más de 60 creadores, con 150 productos, participen en las ventas de primavera 2012 del museo.
Las piezas seleccionadas serán ofrecidas en las 3 tiendas del MoMA en Nueva York, una en Tokio, Japón y en la tienda en línea de la institución, MoMAstore.org.
Es una iniciativa promovida por la Embajada de México en Estados Unidos y ProMéxico.

El Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Embajada de México en Estados Unidos, ProMéxico y Centro de diseño, cine y televisión, dieron a conocer a los más de 60 diseñadores que ofrecerán sus productos en las tiendas del MoMA en el periodo de abril a junio 2012 en el marco del programa de ventas Destination: Mexico.

Esta iniciativa forma parte de una estrategia integral de promoción de exportaciones e internacionalización del diseño y del nuevo talento mexicano por parte de la Embajada de México en Estados Unidos y apoyada por ProMéxico. Sin duda alguna, Destination: Mexico brinda una oportunidad idónea para promover el diseño mexicano y la apertura de mercados para lo mejor del diseño mexicano contemporáneo en Estados Unidos.

Desde 2005 bajo el proyecto “Destination Design”, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, dedica dos veces al año una parte del inventario de sus tiendas a productos de diseñadores de una ciudad o un país determinado. El proyecto ha operado anteriormente con Finlandia, Dinamarca, Buenos Aires, Berlín, Japón, Seúl, Brasil, Portugal y Estambul.


La selección de estos diseñadores y empresas dedicadas a la elaboración de artículos como mobiliario e iluminación; accesorios del hogar, oficina y papelería; joyería y relojes; y accesorios personales, corrió a cargo de gerentes de producto de la división de ventas del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Las propuestas e investigación sobre los diseñadores a partir de los cuáles se realizó esta selección, estuvo a cargo de la curadora Ana Elena Mallet, así como de un grupo de especialistas de la universidad CENTRO, quienes revisaron y evaluaron cerca de 500 productos de más de 300 diseñadores. La selección final fue revisada y aprobada por los curadores del MoMA.

ProMéxico y Centro de diseño cine y televisión, unieron esfuerzos para el desarrollo logístico de la convocatoria y entrevistar a los creadores mexicanos y para facilitar las entregas de los pedidos al museo. Por su parte, el MoMA, a través de la colección de productos Destination Mexico, invertirá en los diseñadores, comprando sus productos directamente. Es importante resaltar que éste es el volumen más grande en la historia de los proyectos Destination: Design que realiza el MoMA.


De acuerdo con la experiencia de otros programas, alrededor del 25 por ciento de los diseños exhibidos, podrían quedarse por un tiempo más largo en las tiendas y el catálogo para venta al mayoreo del MoMA.

Los más de 60 diseñadores o empresas seleccionadas provienen de los estados de Guanajuato, Nuevo León, Querétaro, Oaxaca, Baja California, Zacatecas y el Distrito Federal, y sus productos estarán a la venta en las tiendas del MoMA entre los meses de abril y junio de 2012.

Asimismo, como parte de los apoyos que ProMéxico otorga al sector, en estrecha colaboración con la universidad CENTRO, se lanzó una convocatoria para conformar el primer directorio de la oferta exportable del sector de diseño mexicano que será coeditado por ambas instituciones. Gracias a estas acciones México tendrá una plataforma internacional para la promoción y comercialización del diseño mexicano y otras industrias culturales mexicanas, tanto en nuestro país como en el extranjero.

Fotos: El Universal